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lunes, 8 de mayo de 2017

Don't Hug Me I'm Scared

Seis episodios de corta duración componen esta críptica serie de internet que puedes encontrar en youtube y que ha conseguido un gran número de seguidores que la han vuelto de culto. Sus tres protagonistas son marionetas al estilo Plaza Sésamo y del mismo modo sus episodios aparentemente son educativos, tocando temas como la creatividad y el tiempo; sin embargo, en cada episodio las cosas se tornan bizarras de manera gradual, en un viaje genial que sin duda alguna te dejará perplejo.

Las canciones que aparecen en cada episodio son por mucho lo mejor de la serie y son tan pegajosas que las traerás en la cabeza durante un buen rato.

Don’t Huge Me I’m Scared te atrapa desde el primer momento con giros de tuerca, interpretaciones a varios niveles, símbolos ocultos y una imaginería visual fantástica que demuestra verdadera maestría artística. Uno de los mejores aspectos es poder ver cada episodio una y otra vez para descubrir nuevos detalles, y los moradores de internet adoran dar rienda suelta a sus hipótesis, conjeturas y teorías.

La serie parece haber llegado a su fin con el sexto episodio, por lo que no te tomará más de media hora verla por completo, aunque tal vez te tome muchas horas más desentrañar sus secretos y sacarte sus tonadas de la cabeza.


lunes, 10 de octubre de 2016

Cocteau Twins


El origen de sonidos ancestrales.


Por Víctor Luna


Una de las mejores bandas de la historia y no son The Beatles ni Rolling Stones.

A veces es interesante detenernos un momento y mirar atrás, darnos cuenta de que todo tiene un origen, un protagonista capaz de cargar con esa responsabilidad y llevarla a lugares inimaginables. Sin duda, un privilegio que muy pocos pueden presumir.

Cocteau Twins es una banda escocesa que toma su nombre de una canción de los también escoceses Simple Mind y cuya historia musical se remonta a 1979. Formada inicialmente por Elizabeth Fraser (voz), Robin Guthrie (guitarra y bajo) y Will Heggie (bajo). Simon Raymonde (bajo, guitarra y piano) sería el último en integrarse a la banda tras la salida de Will Heggie en 1983.

Su historia suma nueve discos de estudio desde su formación y hasta su retiro parcial en 1997. Sus principales referencias musicales involucran a Sex Pistols, Kate Bush y a Siouxsie and the Banshees.

¿A qué suenan?

Es una mezcla de texturas rítmicas potenciadas por la guitarra de Robin Guthrie y la voz de Elizabeth Fraser. Son considerados pieza fundamental dentro del auge del shoegazing y nada menos que creadores del dream pop.

Se puede hablar de dos etapas en la carrera de Cocteau Twins, la primera inicia con Garlands (1982), un disco de ambientes oscuros y un bajo muy definido acompañado de riffs distorsionados que en conjunto envuelven de manera perfecta la voz enigmática de Fraser. Un viaje con sonidos vocales de la época barroca. Y sigue con Head Over Heels (1983), un álbum en el que dejan de lado sus tintes punk y mantienen un eco de atmósferas oscuras.

La segunda etapa empieza con Treasure (1984), un material que no sólo definiría el sonido del grupo sino que además sentaría las bases para el nacimiento de un nuevo género: el dream pop, definido como un estilo suave, atmosférico y ensoñador. Y a pesar de no ser una banda propiamente de shoegazing, resulta imposible concebir este género sin la existencia de Cocteau Twins.

Elizabeth Fraser, la voz de Dios

Muchas veces el sonido de una banda se destaca por su guitarra, bajo o batería, en el caso de Cocteau Twins es incuestionable el peso específico que tiene Robin Guthrie, experimentando con la guitarra y los pedales, con el reverb y con el delay. Pero nada hubiera sido igual sin la voz angelical de Elizabeth Fraser, nunca mejor definida como la voz de Dios.

Fraser es capaz de crear emociones con una tonalidad vocal única, bastante cercana a la intensidad operística. Esa es una parte muy especial en Cocteau Twins. Imaginar una cantante con semejantes cualidades envuelta en guitarras ensoñadoras suena bastante interesante.

Lo imperdible

Tres discos: Garlands (1982), Treasure (1984) y Heaven or Las Vegas (1990). Este último considerado por numerosas publicaciones como el mejor disco de aquel año. Materiales que son imperdibles para empezar a entenderse con la banda y para conocer una parte esencial de la historia de la música.

Particularmente por canciones como:

 Blood
 Bitch (Garlands)
 Wax and Wane (Garlands)
 But I'm Not (Garlands)
 Garlands (Garlands)
 Ivo (Treasure)
 Persephone (Treasure)
 Pandora (Treasure)
 Amelia (Treasure)
 Cherry-coloured Funk (Heaven or Las Vegas)
 Pitch The Baby (Heaven or Las Vegas)
 Iceblink Luck (Heaven or Las Vegas)
 Heaven Or Las Vegas (Heaven or Las Vegas)
 Road, River and Rail (Heaven or Las Vegas)

Artistas relacionados

Se puede hablar de muchos artistas que dan la cara por el género surgido en 1984, pero, a consideración personal, estas son cinco bandas que merecen un tiempo de escucha:


miércoles, 9 de marzo de 2016

Mew: Sonidos surrealistas llenos de colores ensoñadores



El año se ha ido y con él un número considerable de conciertos y festivales que en general han dejado un buen sabor de boca, o al menos eso parece.

Si hablamos de festivales, uno de los más comentados fue el Corona Capital en la Ciudad de México, al celebrar su sexta edición con un cartel que en nombres parecía modesto en comparación con ediciones anteriores, en donde se ha podido escuchar a artistas como Beck, Jack White, The Strokes, New Order, Portishead y Sigur Rós.

¿Qué fue lo mejor del festival? Este año fuimos testigos del regreso a los escenarios de The Libertines, siendo ésta su única presentación en Latinoamérica. Pudimos escuchar y ver en acción a Pixies, lo cual es una garantía de espectáculo. Y tuvimos la suerte de escuchar en vivo a una banda que,a pesar de mantenerse con bajo perfil dentro del mainstream de la escena musical, siempre tiene mucho que decir y mucho que mostrar en un escenario. Se trata de una banda con casi 20 años de trayectoria, lo cual en estos tiempos es algo que resalta. Se trata de una banda con casi 6 años de ausencia en nuestro país, lo cual empezó a ser poco a poco un reclamo para ellos. Se trata de un grupo de jóvenes daneses llenos de psicodélica y coros delirantes llamado Mew.

Un mundo de paisajes ensoñadores.

Mew es una banda cobijada por la voz casi mágica de JonasBjerre, suave y potente al mismo tiempo; por la batería de Silas Graae, capaz de guiar a los demás a sonidos exactos; y por el bajo de Johan Wohlert, susurrante y explosivo.

Desde su primer material de larga duración editado en 1997 llamado A Triumph For Man
y producido por Damon Tutunjian (integrante de una banda de rock indie de los años 90) muestran un sonido pop psicodélico y de shoe gaze que recuerda a My Bloody Valentine, lo cual enmarcó un excelente comienzo.

Para el año 2000 editaron Half The WorldIs Watching Me, bajo la batuta de Rich Costey, un productor musical estadounidense conocido hoy en día por su trabajo con Sigur Rós, Muse y Foster the People. Fue el disco que empezó a darle identidad a la banda con canciones como 156 y Am I Why? No, pistas que serían recuperadas para incluirlas posteriormente en su siguiente trabajo y que al final se convertirían en la base para uno de sus mejores discos de estudio Frengers (2003), con temas musicalmente diferentes pero que dicen mucho del sonido de la banda. La nostalgia y la potencia en la guitarra son protagonistas. Sonidos surrealistas llenos de colores ensoñadores dieron a la banda un lugar en la escena musical internacional.

El cuarto material llegó para 2005, And The Glass Handed Kites, ahora comandado por el estadounidense Michael Beinhorn, un importante productor que ha trabajado nada menos que con Aerosmith, OzzyOsborne y Red Hot Chili Peppers. Disco que tendría la guitarra como carta de presentación, sonidos abstractos rodean un disco con canciones que a lo largo de la trayectoria de la banda se han convertido en himnos. Special y TheZookeeper's Boy son imperdibles para aquellos que no conozcan a la agrupación.

2009 sería el año de la quinta producción de Mew, No More Stories / Are Told Today / I'mSorry / They Washed Away // No More Stories / The WorldIs Grey / I'm Tired / Let's Wash Awayes el nombre completo del disco, en donde las voces melódicas de Jonas son capaces de crear paisajes ensoñadores e hipnóticos desde el primer trackNew Terrain.

Nuevamente la combinación entre la banda y RichCostey dio como fruto otro gran disco. Arreglos complejos en donde por momentos se escuchan sonidos funk, psicodélicos, melódicos y con apariciones vocales muy emotivas. Es un material en donde se puede apreciar la influencia de bandas como SigurRós, New Order y My Bloody Valentine.

Destacan canciones como Introducing Palace Players, Beach, Repeater beater, Silas the Magic Car, Cartoons and Macramé, Hawaii y Sometimes Life Isn’t Easy.

Seis años después, 2015, la banda publica + -, su trabajo más reciente y la razón por la cual visitaron nuevamente nuestro país. Disco producido por Michael Beinhorn, quien ha trabajado con Soundgarden y Red Hot Chili Peppers y además, es el material que enmarca el regreso al bajo de Johan Wohlert, quien abandonó el grupo después del excepcional And the Glass Handed Kites en 2006.

Es un álbum que consolida el sonido de Mew, lleno de matices, protagonismo de guitarras y con un sonido versátil capaz de complacer al oído más exigente. Satellites da la bienvenida y es un gran recibimiento, la envoltura perfecta para el trabajo vocal de Jonas. Un disco que podría encantar a un público que gusta del pop suave y también a aquel que prefiera el sonido estruendoso de las guitarras como en Witness y My Complications.

Avanzado el disco se encuentra Water Slides, una canción llena de magia capaz de transportar a ambientes llenos de confort y emociones.Es un álbum extraordinario de principio a fin, con un cierre que deja claro que hay Mew para rato. Una despedida asombrosa entre Rowsy Cross The River On Your Own.

Al final, Mew sigue demostrando que es el Mew de hace varios años, y eso se agradece, siempre será digno de valoración el que decidan arriesgarse con su sonido antes que caer en otro más común. Se trata de una banda comprometida con sus seguidores. Se trata de un sonido honesto y de calidad, en donde muchas veces no es lo que se dice sino cómo se dice y eso lo hacen perfectamente bien.


martes, 8 de diciembre de 2015

Musica - Miedo


Es bien conocido que para infundir el miedo en alguien es muy importante el sentido del oído, pues el sonido nos echa a andar la imaginación; por esa razón, grandes músicos han creado inquietantes temas que hoy son iconos del terror y que de tan sólo escucharlos nos hacen sentir acechados por todo tipo de espantajos. En esta ocasión te mostramos una pequeña selección de temas de horror para que te pongas a escalofriante tono.

Tubular Bells

Los primeros minutos de este álbum de rock progresivo se volvieron famosísimos al ser utilizados en El Exorcista, película del año de 1973 que muchos consideran al día de hoy la película más terrorífica jamás creada (si no nos creen, pregúntenle a algún familiar que haya ido a verla al cine). A Mike Oldfield debemos esta tonada que evoca misterio y misticismo.

Silent Hill

Tema titular del videojuego y película del mismo nombre, es creación de Akira Yamaoka, compositor de la música y efectos de sonido de esta serie de videojuegos; el sonido de este tema nos provoca sentimientos de melancolía y desesperanza, por lo que es hermosa y opresiva a la vez. Las notas introductorias del mandolín lo dicen todo.

One, Two, Freddy’s Coming For You
(Uno, Dos, Freddy viene por ti)

La versión de esta rima infantil utilizada en Pesadilla en la Calle del Infierno es de lo más tétrico que puedas escuchar, al ser cantada por esas niñitas que brincan la cuerda en cámara lenta. Para enchinar la piel.

One, two, Freddys coming for you (uno, dos, Freddy viene por ti)
Three, four, better lock your door (tres, cuatro, cierra la puerta)
Five, six, grab a crucifix (cinco, seis, toma el crucifijo)
Seven, eight, gonna stay up late (siete, ocho, mantente despierto)
Nine, ten, Never sleep again (nueve, diez, nunca mas dormirás)

Monster Mash 

Después de tanto meyo, este tema sesentero es perfecto para alegrar el ánimo y bailar al ritmo del twist, recordando a nuestros monstruos favoritos Drácula, Frankenstein y el Hombre Lobo. El tema más famoso de Bobby “Boris” Pickett.

sábado, 24 de octubre de 2015

Joy Division

Joy Division

Intensidad y dramatismo

Por Víctor Luna Álvarez

Punto de Partida

Joy Division es considerada por muchos como una de las mejores bandas en la historia de la música. Día a día sigue sumando seguidores en el camino. Pero, ¿cuál es la razón?, ¿se trata de sus letras?, ¿de lo enigmático de sus integrantes? o ¿sólo es una dosis de popularidad?

La historia de estos ingleses comenzó a cimentarse el 20 de julio de 1976, mientras la famosa banda de punk Sex Pistols ofrecía un concierto en el Manchester Free Trade Hall. Al concluir el espectáculo Peter Hook (bajo), Bernard Sumner (guitarra) y Terry Mason (batería), quienes se encontraban en aquel recinto, decidieron formar su propio grupo, aunque ninguno de ellos tenía mucha idea de lo que significaba ser músico.


The Stiff Kittens fue su primer nombre. Poco les convenció aquel título pero en ese momento tenían un tema más importante que resolver y era la falta de vocalista. Ian Curtis fue uno de los más interesados en cubrir la plaza y lo consiguió, dando origen a una banda legendaria.

Forjando una identidad

Semanas después, justo antes de salir a su primera actuación en The Electric Circus, el cuarteto cambia de nombre a Warsaw, según algunas publicaciones, inspirados en la canción Warszawa (1977) de David Bowie y Brian Eno. Para junio de 1978 bajo el sello Enigma se pone en circulación la primera edición de su EP An Ideal for Living con apenas 1000 copias. En ese entonces siguieron los cambios tanto de alineación como de nombre, ahora Warsaw había quedado en el pasado y Curtis, Sumner, Hook y Morris (último miembro en unirse al grupo) se hacían llamar Joy Division. El cambio se debió principalmente a un tema legal por la existencia de una banda en Londres llamada Warsaw Pakt.

El nuevo nombre fue obtenido del libro The House of Dolls de Karol Cetinsky, en donde se cuenta la historia de algunas prisioneras de guerra en un burdel nazi, las Joy Divisions, como algunas veces son mencionadas, eran las mujeres utilizadas como prostitutas por los nazis. A pesar de ello, numerosas publicaciones señalan que el nombre no fue tomado por alguna afinidad nazi ni mucho menos, sino por un simple gusto por el nombre.

Sin ningún cambio posterior, el 25 de enero de 1978 sería el debut oficial de la banda en el Pip's Disco, un lugar para escuchar música en vivo en Manchester, y en donde cuatro jóvenes, con apenas poco más de 20 años, darían inicio a una leyenda.

Momentos de magia y maestría

El futuro de Joy Division parecía tomar un rumbo incierto cuando el 29 de diciembre de 1978, al regresar de una actuación en el Hope and Anchor, Ian sufriera un ataque epiléptico severo, siendo un punto y aparte para lo que seguiría con la banda.

Ahora bajo el sello de Factory Records, discográfica liderada por Tony Wilson, grabarían 15 temas en menos de cinco días, mismos que serían su debut en larga duración, dejando en las manos de Martin "Zero" Hannett la producción, y teniendo como resultado una combinación excelente entre la maestría del técnico y la magia de la banda, utilizando una técnica de grabación basada en la acentuación de las atmósferas: intensidad y dramatismo.

La pasión de Hannett por los sintetizadores y el uso de tecnología, fueron determinantes para la creación de excelentes atmósferas que captaron perfectamente la esencia y sonido que buscaba Joy Division, quienes sin ser músicos virtuosos lograron crear uno de los mejores discos de la historia. Se trata de Unknow Pleasures, publicado en mayo de 1979.

Un disco envuelto en un ambiente enigmático y psicodélico, con un diseño en la tapa a cargo de Peter Saville, quien plasmó las primeras señales de un pulsar, imagen extraída de The Cambridge Encyclopedia of Astronomy, teniendo como resultado una de las portadas más famosas y una sensación auténtica de Placeres Desconocidos.


Pronto llegó el momento del segundo y último disco de estudio, Closer (1980), nuevamente dirigidos por la mente maestra de Martin Hannett, quien de nuevo guiaría a este grupo ecléctico a construir una joya dentro de la escena musical, envolviendo en cada texto de Ian su presente y su pasado, todo aquello que lo mortificaba, desde su vida sentimental hasta su situación física y mental llevada al límite. Letras acompañadas por un ambiente musical perfecto, brutal al momento de escuchar la combinación entre ambas. Se ha dicho que "Closer, inmortal y oscuro, duele", un disco que ha quedado y seguirá quedando en la inmortalidad de la música, un disco de heridas y matices.


35 años después

Casi dos años después de que empezara la aventura, el 2 de mayo de 1980, sería la última presentación de Joy Division en un escenario. Y días más tarde, el 18 de mayo del mismo año, terminaría la historia de Ian Curtis, quien luego de ver la película Strosze de Werner Herzog y escuchar el disco The Idiot de Iggy Pop, escribiera una carta dirigida a su esposa Deborah tratando de explicar lo que ocurría en su mente. Segundos después se ahorcaría con un lazo en la cocina de su propia casa, hogar de su esposa e hija. De eso ya han pasado 35 años y pareciera que Ian está más vivo que nunca.

El amor nos separará

Una de las canciones más populares de Joy Division es Love will tear us apart, considerada por revistas como Rolling Stone o NME como una de las mejores canciones de la historia. Esta no apareció en ninguno de los dos discos de estudio de la banda y en un principio sólo se podía escuchar en vivo, a pesar de ello y con varias reediciones, se ha convertido en una de las canciones más conocidas y emblemáticas. Un clásico de la banda y de la música inglesa.

Un sonido de atmósferas

El crítico de música inglés Simon Reynolds decía que "el bajo de Hook llevaba la melodía, la guitarra de Sumner llenaba los huecos del sonido a base de densos riffs y la batería de Morris, parecía rodear el borde de un cráter".

Ese sonido poco a poco se fue convirtiendo en algo particular del cuarteto, con un toque de bajo absolutamente diferente y siempre en primer plano. Acompañado del baile peculiar de Ian y una voz que hipnotizaba, atrayendo las miradas del público y al mismo tiempo guiando a la banda. Cada integrante a su manera y a su estilo fue una pieza fundamental.

No es necesario descifrar el significado de cada canción para sentirse atraído por la música de Joy Division, para captar la intensidad emocional de las canciones. Letras que muestran sus principales referencias literarias y musicales en William Burroughs, Franz Kafka, The Doors, David Bowie y The Velvet Underground.

Es fácil descubrir lo mucho que Ian disfrutó de la lectura de The House of Dolls, porque no sólo fue No love lost la pieza del grupo inspirada en ese libro, sino también el tema Novelty. Atrocity exhibition debe su título a un libro de J.G Ballard, Dead souls a la novela de Gógol y Colony está relacionada con Heart of Darkness de Conrad. Reflejo de lo que pasaba por la mente de Ian: la soledad y la infelicidad.

La vida sigue

Después de la muerte de Ian Kevin Curtis el 18 de mayo de 1980 la banda siguió su camino, pero era necesario hacerlo de una manera diferente, y así fue. Murió Ian, murió Joy Division, pero nació una historia que sigue construyéndose, su nombre: New Order, quien recientemente estrenó Restless, un extracto de su décimo disco de estudio llamado Music Complete, cuya fecha de lanzamiento será el 25 de septiembre y que compartirá créditos con Iggy Pop y Brandon Flowers.


lunes, 31 de agosto de 2015

Here’s to you

(Esto es para ustedes)
Letra: Joan Baez
Música: Ennio Morricone

Por Javier Leyva

Nicola Sacco y Bartolomeo Vanzetti fueron un par de inmigrantes italianos radicados en Estados Unidos. En su época, fueron públicamente conocidos por ser seguidores de una corriente anarquista que se oponía a la guerra y a los gobiernos autoritarios. En el año de 1921 fueron condenados a muerte por un Juzgado de Massachusetts, acusados de homicidio, a pesar de existir abrumadoras evidencias a favor de su inocencia. Su caso pronto se convirtió en un escándalo internacional que provocó indignación. Literatos, académicos y artistas de todo el mundo se pronunciaron en apoyo a los inculpados, y múltiples peticiones de indulto se hicieron llegar al gobierno Norteamericano. Sin embargo, en el año de 1927, Sacco y Vanzetti fueron ejecutados en la silla eléctrica. El prejuicio contra los inmigrantes y sus creencias políticas les habían costado la vida en el país que se abandera a sí mismo con el estandarte de la libertad.

La cantautora Joan Baez se ha caracterizado durante su larga trayectoria por denunciar los abusos y la inequidad a través de su música, con la cual protesta contra la injusticia social. Su talento incuestionable, carrera inmaculada y compromiso con las causas sociales, la posicionan como uno de los grandes activistas sociales del siglo XX. Sacco y Vanzetti fueron mártires, victimas del totalitarismo político y símbolo de los movimientos de liberación. Era inevitable que el talento de la primera encontrara expresión en la desgracia de los segundos. En el año de 1971, Baez se inspiraría en la siguiente carta que Bartolomeo Vanzetti le escribió a su padre mientras se encontraba en la cárcel:

“Sí, padre, soy prisionero. No temo decir mi crimen. Mi crimen es amar a los abandonados. Sólo callar es una vergüenza.”

Y no podía ser más adecuado que el afamado compositor italiano Ennio Morricone fuera quien
se encargara de escribir la música, en una fantástica colaboración que dio como resultado una
de las canciones más emblemáticas del movimiento a favor de los derechos humanos, un
verdadero himno de la lucha social:

Here's to you, Nicola and Bart (Esto es para ustedes, Nicola y Bart)
Rest forever here in our hearts (Descansen por siempre en nuestros corazones)
The last and final moment is yours (El momento último y definitivo es suyo)
That agony is your triumph (Esa agonía es vuestro triunfo)

Here’s To You ganó relevancia y se convirtió en icono mundial, apareciendo en múltiples películas, documentales, incluso videojuegos, pero especialmente, al ser interpretada por muchos otros artistas que desearon transmitir su mensaje.

Descansen en paz Sacco y Vanzetti, sus muertes no fueron en vano.






“Tu canción favorita. Nicola. Bart. Inmigrantes ejecutados injustamente…
Pero sus muertes sirvieron como un mensaje para otros… Que la nuestra,
es una sociedad que mata a los inocentes… ¿tú también crees que tu
sacrificio cambiará al mundo?” – Skull Face.


viernes, 10 de julio de 2015

Primer Amanecer


Esperando el anochecer 
y salir a saciar mi sed 
acecho a mi presa 
antes de que amanezca. 

Sólo quiero seguir aquí 
unos cuantos siglos más 
y saciar mi sed de amar 
espero que sea hoy. 

CORO 

Luces en mi interior 
llamas en mi corazón 
el amanecer llegó. 

Después de tantas noches mirando 
he decidido estar a tu lado 
serás presa de mi corazón. 

He podido encontrar el amor 
aunque sé que el final llegó 
te recordaré...
con mi alma quemándose. 

CORO...

https://www.youtube.com/watch?v=ZfMPMbLhGAI

martes, 31 de marzo de 2015

THE HOUSE OF THE RISING SUN


The House of the Rising Sun
(“La Casa del Sol Naciente”)
Autor: Tradicional



There is a house in New Orleans                           Hay una casa en Nueva Orleans
they call “The Rising Sun”                                   la llaman "El Sol Naciente"
and it's been the ruin of many a poor boy             
y ha sido la ruina de muchos pobres chicos
and God I know I'm one                                        
y Dios, sé que yo soy uno de ellos.

My mother was a tailor                                         Mi madre era sastre
she sewed my new bluejeans                                ella cosió mis nuevos pantalones
my father was a gamblin' man                              
mi padre era un apostador
down in New Orleans                                           
ahí en Nueva Orleans

Now the only thing a gambler needs                    Ahora, la única cosa que un apostador necesita
is a suitcase and trunk                                          es un portafolios y un baúl
and the only time he's satisfied                             
y el único momento en que él está satisfecho
is when he's on a drunk                                        
es cuando está borracho

Oh mother tell your children                                 Oh madre dile a tus hijos
not to do what I have done                                    
que no hagan lo que yo he hecho
spend your lives in sin and misery                        
gastar sus vidas en pecado y miseria
in the house of the rising sun                                
en la casa del sol naciente

Well, I got one foot on the platform                       Bueno, yo tengo un pie en el andén
the other foot on the train                                      
el otro pie en el tren
i'm goin' back to New Orleans                               
voy de vuelta a Nueva Orleans
to wear that ball and chain                                    
a usar esa bola y cadena

Well, there is a house in New Orleans                   Hay una casa en Nueva Orleans
they call “The Rising Sun”                                    
la llaman "El Sol Naciente"
and it's been the ruin of many a poor boy              
y ha sido la ruina de muchos pobres chicos
and God I know i'm one                                          y Dios, sé que yo soy uno de ellos


Por Javier Leyva

The Animals hizo famosa la canción “House of the Rising Sun” en los años sesenta, a través de la poderosa voz de Eric Burdon, convirtiéndola en una de las canciones más icónicas del rock folk y un himno que denuncia los peligros y tentaciones a los que se enfrenta la juventud. Sin embargo, The Animals no escribió “House of the Rising Sun”, de hecho, no se sabe a ciencia cierta quién es el autor de dicho tema y se considera que su origen puede remontarse al siglo XVIII, como una balada popular de Gran Bretaña.

La historia narrada en este tema nos habla de una casa conocida como “The Rising Sun” (el sol naciente) donde los vicios del alcohol, las apuestas y la prostitución son moneda corriente, y como cabria esperar, ha sido la perdición de muchos jóvenes ingenuos. El tema es cantado en primera persona y el intérprete narra su propia experiencia, comprendida como una tragedia, en un intento por advertir a padres e hijos sobre el dolor que puede causar “The House of the Rising Sun”, pues una vez que has sido corrompido por ella no hay vuelta atrás. La fuerza de esta canción reside en lo atemporal de su historia, cuyo mensaje nos hace reflexionar y darnos cuenta de que todo muchacho llegará a un momento de su vida en que será tentado por los vicios más bajos de la humanidad, y de no ser precavido terminará siendo esclavizado por estos, como le ocurrió al intérprete.

Al no tener un autor conocido, “House of the Rising Sun” ha sido cantada por muchos artistas y es aquí donde encontramos uno de los aspectos más interesantes, pues se ha prestado para ser reinventada. La popular versión de The Animals tiene un detalle muy particular, pues es cantada desde un enfoque masculino, cuando hasta entonces siempre había sido interpretada desde un punto de vista femenino. Este cambio en el género del narrador le da un giro total al sentido de la historia y los sucesos contados por ésta.

Y es que una historia de inocencia perdida es diferente cuando para un hombre implica volverse esclavo de sus propios deseos, que cuando una mujer es esclavizada por otros seres humanos, la fuerza dramática es mayor desde esta óptica, y así lo entendieron otros cantantes como Bob Dylan y Woodie Guthrie quienes la interpretaron de esta manera sin importar ser ellos hombres, incluso Dolly Parton decidió agregar algunos párrafos más para exaltar el sentimiento de opresión a la mujer por parte del hombre.



Algunos han tratado de encontrar la localización del burdel en que se inspiró la casa del sol naciente, sin embargo, la mayoría coincide en que se trata de una alegoría sobre los vicios que este tipo de lugares representan; de lo que no cabe de duda es que “House of the Rising Sun” es una canción sentimental y dramática, con un poderoso mensaje sobre la necesidad que tienen los hijos de ser guiados por sus madres y padres, y su éxito radica en el hecho de que en algún momento de nuestra vida todos podremos identificarnos en uno de estos dos papeles.