Vorágine [Narrativa] No. 6, enero-febrero 2016, Revista Completa

¡Puedes leer la entrega no. 6 de Vorágine [Narrativa] en el siguiente enlace!:

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El Neuromante presenta: ¡El Examen de Pequeña Girl!

Conjugando cepas (Dadá No. 3)

Orson Scott Card

Por Samir Zapot

Orson Scott Card es uno de los autores con una producción literaria vasta que se ha diversificado en los aspectos más disímbolos, desde la ciencia ficción, pasando por historias de fantasía, así como poesía e incluso participó en la serie del comic Ultimate Ironman.

Como puede verse, es difícil encontrar un común denominador para explicar el talante de su obra, pero sí es posible atisbar que el sello que distingue cada una de sus historias es la reflexión en torno a las consecuencias que nos llevan a actuar de determinadas maneras en situaciones que desafían los límites y ponen a prueba las relaciones que establecemos con otras personas y el propio entorno.

El gran acierto de este escritor nacido en 1951 en Washington, consiste en la forma en que plantea problemas éticos y morales que ahora mismo tienen vigencia y son motivo de debate público. La convivencia entre especies como plantea en la Saga de Ender (1985-2012), la intolerancia religiosa y la segregación racial que desarrolla en la Saga de Alvin Maker (1987-2004, aún no concluye), o los efectos de la marginación de las personas consideradas inútiles por no responder a las expectativas sociales en la Saga Mithermages (2011-2015).

Scott Card tiene una formación marcada por la Iglesia de Jesucristo de los Últimos Días, conocida coloquialmente como religión mormona. Así lo demuestran las universidades a las que asistió Brigham Young y Utah University. Utah es el estado de la unión americana donde se concentra una gran población de mormones en Estados Unidos. Por eso no sorprende que de 1992 a 1995 se haya dado a la tarea de escribir la “Saga del Retorno”, que es una adaptación a ciencia ficción de los textos contenidos en “El Libro del Mormón”, que forma parte de los cuatro libros que la Iglesia de Jesucristo de los Últimos Días considera sagrados.

Comenzar la lectura de cualquier título que haya escrito Orson Scott Card no sólo nos llevará a soñar con el futuro a través de la narración de los implementos tecnológicos que nos muestra, lo más importante será la experiencia que nos lleve a enfrentarnos con nosotros mismo y a poner en duda las convicciones que nos parecen correctas o adecuadas.

Su capacidad para contar estas historias y analizar conflictos contrasta con su fanatismo en contra de los matrimonios conformados por personas del mismo sexo, que lo ha llevado a militar en la National Organization for Marriage desde 2009. Esta organización se dedica a impedir la aprobación de leyes que legalicen el matrimonio gay. Pero, como afirma Ender Wiggin “Así somos los humanos”.

Mew: Sonidos surrealistas llenos de colores ensoñadores

El año se ha ido y con él un número considerable de conciertos y festivales que en general han dejado un buen sabor de boca, o al menos eso parece.

Si hablamos de festivales, uno de los más comentados fue el Corona Capital en la Ciudad de México, al celebrar su sexta edición con un cartel que en nombres parecía modesto en comparación con ediciones anteriores, en donde se ha podido escuchar a artistas como Beck, Jack White, The Strokes, New Order, Portishead y Sigur Rós.

¿Qué fue lo mejor del festival? Este año fuimos testigos del regreso a los escenarios de The Libertines, siendo ésta su única presentación en Latinoamérica. Pudimos escuchar y ver en acción a Pixies, lo cual es una garantía de espectáculo. Y tuvimos la suerte de escuchar en vivo a una banda que,a pesar de mantenerse con bajo perfil dentro del mainstream de la escena musical, siempre tiene mucho que decir y mucho que mostrar en un escenario. Se trata de una banda con casi 20 años de trayectoria, lo cual en estos tiempos es algo que resalta. Se trata de una banda con casi 6 años de ausencia en nuestro país, lo cual empezó a ser poco a poco un reclamo para ellos. Se trata de un grupo de jóvenes daneses llenos de psicodélica y coros delirantes llamado Mew.

Un mundo de paisajes ensoñadores.

Mew es una banda cobijada por la voz casi mágica de JonasBjerre, suave y potente al mismo tiempo; por la batería de Silas Graae, capaz de guiar a los demás a sonidos exactos; y por el bajo de Johan Wohlert, susurrante y explosivo.

Desde su primer material de larga duración editado en 1997 llamado A Triumph For Man
y producido por Damon Tutunjian (integrante de una banda de rock indie de los años 90) muestran un sonido pop psicodélico y de shoe gaze que recuerda a My Bloody Valentine, lo cual enmarcó un excelente comienzo.

Para el año 2000 editaron Half The WorldIs Watching Me, bajo la batuta de Rich Costey, un productor musical estadounidense conocido hoy en día por su trabajo con Sigur Rós, Muse y Foster the People. Fue el disco que empezó a darle identidad a la banda con canciones como 156 y Am I Why? No, pistas que serían recuperadas para incluirlas posteriormente en su siguiente trabajo y que al final se convertirían en la base para uno de sus mejores discos de estudio Frengers (2003), con temas musicalmente diferentes pero que dicen mucho del sonido de la banda. La nostalgia y la potencia en la guitarra son protagonistas. Sonidos surrealistas llenos de colores ensoñadores dieron a la banda un lugar en la escena musical internacional.

El cuarto material llegó para 2005, And The Glass Handed Kites, ahora comandado por el estadounidense Michael Beinhorn, un importante productor que ha trabajado nada menos que con Aerosmith, OzzyOsborne y Red Hot Chili Peppers. Disco que tendría la guitarra como carta de presentación, sonidos abstractos rodean un disco con canciones que a lo largo de la trayectoria de la banda se han convertido en himnos. Special y TheZookeeper's Boy son imperdibles para aquellos que no conozcan a la agrupación.

2009 sería el año de la quinta producción de Mew, No More Stories / Are Told Today / I'mSorry / They Washed Away // No More Stories / The WorldIs Grey / I'm Tired / Let's Wash Awayes el nombre completo del disco, en donde las voces melódicas de Jonas son capaces de crear paisajes ensoñadores e hipnóticos desde el primer trackNew Terrain.

Nuevamente la combinación entre la banda y RichCostey dio como fruto otro gran disco. Arreglos complejos en donde por momentos se escuchan sonidos funk, psicodélicos, melódicos y con apariciones vocales muy emotivas. Es un material en donde se puede apreciar la influencia de bandas como SigurRós, New Order y My Bloody Valentine.

Destacan canciones como Introducing Palace Players, Beach, Repeater beater, Silas the Magic Car, Cartoons and Macramé, Hawaii y Sometimes Life Isn’t Easy.

Seis años después, 2015, la banda publica + -, su trabajo más reciente y la razón por la cual visitaron nuevamente nuestro país. Disco producido por Michael Beinhorn, quien ha trabajado con Soundgarden y Red Hot Chili Peppers y además, es el material que enmarca el regreso al bajo de Johan Wohlert, quien abandonó el grupo después del excepcional And the Glass Handed Kites en 2006.

Es un álbum que consolida el sonido de Mew, lleno de matices, protagonismo de guitarras y con un sonido versátil capaz de complacer al oído más exigente. Satellites da la bienvenida y es un gran recibimiento, la envoltura perfecta para el trabajo vocal de Jonas. Un disco que podría encantar a un público que gusta del pop suave y también a aquel que prefiera el sonido estruendoso de las guitarras como en Witness y My Complications.

Avanzado el disco se encuentra Water Slides, una canción llena de magia capaz de transportar a ambientes llenos de confort y emociones.Es un álbum extraordinario de principio a fin, con un cierre que deja claro que hay Mew para rato. Una despedida asombrosa entre Rowsy Cross The River On Your Own.

Al final, Mew sigue demostrando que es el Mew de hace varios años, y eso se agradece, siempre será digno de valoración el que decidan arriesgarse con su sonido antes que caer en otro más común. Se trata de una banda comprometida con sus seguidores. Se trata de un sonido honesto y de calidad, en donde muchas veces no es lo que se dice sino cómo se dice y eso lo hacen perfectamente bien.

J. K. Rowling y la Idea Multimillonaria

Joanne Rowling se encontraba quebrada, sin empleo y por si eso fuera poco, tenía el peso de ser madre soltera; en resumen, estaba en una encrucijada. Sin embargo, hacía años había concebido una idea y estaba convencida de que era una gran idea por la que valía la pena luchar. ¿Cuál idea? La de un niño mago llamado Harry Potter.

Desde muy joven, Joanne había disfrutado crear historias fantásticas y ese gusto se vio exacerbado por la lectura de grandes autores como Dickens, Tolkien y Austen, así como por su heroína Jessica Mitford. Durante meses y años, se dedicó a hacer realidad su sueño. Sobreviviendo con un subsidio de desempleo y armada con una máquina de escribir, Joanne trabajó en cualquier lugar posible hasta terminar los primeros capítulos de lo que eventualmente se convertiría en Harry Potter y la Piedra Filosofal. Pero aún faltaba mucho para eso, primero era necesario encontrar una editorial dispuesta a creer en ella. Sin dinero para hacer copias, Rowling tuvo que mecanografiar manualmente copias de su libro para enviarlas a una docena de casas editoriales, siendo rechazada por todas ellas, en lo que sería un error comparable al de aquella disquera que rechazó a los Beatles; solamente podemos imaginarnos lo que pasaría por la cabeza de estos personajes tras el éxito abrumador de Harry Potter.

Pero entonces ¿cómo es que Harry Potter finalmente vio la luz? Bueno, pues fue gracias a una pequeñita de ocho años llama Alice Newton a quien su padre, el dueño de la casa editorial Bloomsbury, le dio el primer capítulo de Harry Potter y la Piedra Filosofal; tras devorarlo ávidamente, la pequeña Alice demandó el siguiente capítulo. Hasta entonces, el libro había sido revisado exclusivamente por adultos, quienes de inmediato lo desestimaban por la misma razón absurda: era demasiado largo para un niño. Sólo cuando a alguien se le ocurrió mostrárselo a un niño, a quien estaba destinado el libro, se decidió darle una oportunidad a la pequeña idea de Joanne, quien ahora utilizaría el nombre de J. K. Rowling para no hacer tan evidente el hecho de que el libro había sido escrito por una mujer. En retrospectiva, cabe preguntarse ¿de cuántas obras maestras se ha visto privado el mundo debido a los prejuicios y la ignorancia?

Sin embargo, J. K. Rowling creyó en ella misma y su obra no se perdería en el olvido. Después de siete libros, ocho películas y mercadotecnia en extremo, su éxito alcanzaría proporciones multimillonarias comparables al fenómeno Star Wars, lo que llevaría a su autora a convertirse en una de las personas más ricas e influyentes del planeta; y estando más que dispuesta a seguir explotando su gallina de los huevos de oro, todo parece indicar que esta historia de éxito inesperado aún tiene mucho que contar.

Los mundos perdidos de la ciencia ficción

Los avances en el mundo de la ciencia y la tecnología generan grandes expectativas para la vida futura, las posibilidades que esto ofrece a los soñadores y visionarios han dado lugar a numerosas creaciones literarias en torno a estos posibles universos en cuyo interior emergen las más novedosas ideas acerca del desarrollo de tan ambiciosas materias.

Los viajes interestelares o a través del tiempo así como la vida extraterrestre, la evolución biológica, las catástrofes naturales, la realidad virtual y los nuevos órdenes sociales son temas comunes en los relatos de Ciencia Ficción, aderezados siempre con el uso de tecnología de punta basada en teorías o descubrimientos científicos verídicos.

El término Sci-Fi fue acuñado por primera vez por Hugo Gernsback, considerado el padre de la ciencia ficción, en su revista Amazing Stories, allá por el año de 1926, cuando la popularidad de este género apenas asomaba; sin embargo, se considera que fue Mary Shelly quien sembró las bases para este tipo de narraciones con su insuperable novela 'Frankenstein' (1818), personaje torturado por su abominable creación nacida en el seno de la ciencia. Otros emblemáticos escritores como Tomás Moro, Julio Verne, Mark Twain y Edgar Allan Poe también pueden contarse entre los precursores del género, pues en mayor o menor medida integraron el elemento científico a sus historias y las llevaron más allá de la realidad que conocían; fue gracias a estos primeros destellos que, tal y como los descubrimientos científicos que surgen por casualidad, la Ciencia Ficción germina casi sin querer y comienza a desarrollarse por infinidad de mentes ávidas por conocer y crear mundos extraordinarios.

Otros autores notables son Philip K. Dick, H. G. Wells, John Wyndham, Ray Bradbury, Isaac Asimov, H.P. Lovecraft, Arthur C. Clarke, Stanislaw Lem, Aldous Huxley, Jorge Luis Borges y George Orwell entre los más destacados.

CYBERPUNK

El cyberpunk, término utilizado por primera vez por el escritor Bruce Bethke, surge como subgénero de la Ciencia Ficción, y aunque para algunos es la lógica evolución de la misma, otros rechazan por completo su calidad y seriedad como materia literaria, hecho que ha provocado fuertes controversias entre ambas partes.

La extrapolación que hace el cyberpunk acerca del impacto de la ciencia y la tecnología versa más sobre el poder que estas entidades ejercen en la mente y la organización humana que sobre las quimeras científicas. Las características más sobresalientes de su estilo narrativo son el uso de lenguaje coloquial o algún tipo de argot de invención personal, acompañado de una redacción no convencional que pretende despertar y estimular la capacidad visual del lector; además tiene influencias de la novela negra y el ambiente detectivesco, elementos que la hacen bastante atractiva aunque, en ocasiones, difícil de seguir.

LA IMPORTANCIA DE SER SCI-FI

Los elementos científicos pueden ser fundamento y también trasfondo. El progreso está siempre presente y toda vez que la humanidad se desarrolla a pasos cada vez mayores, en nuestro contexto moderno es cada vez más difícil desligar cualquier narración del elemento científico. El romance, el drama, la comedia, el horror, la acción; todo puede ocurrir en el gran telón de la ciencia que implementa la tecnología. Los supieron los pioneros como Verne y Wells.

Sin embargo, es preciso aclarar la importancia de ser sci-fi. En él tenemos herramientas ilimitadas para la exploración, pues si bien se desea vaticinar, tampoco se está atado a una necesidad de comprobación respecto a una dada predicción. Por lo tanto, las posibilidades son poco menos que infinitas, y la exploración, antes de tiempo y espacio, pasa a ser de la mente, el alma, la conciencia, el ser, el sentir, el existir.

Solaris, 1984, Do Androids Dream of Electric Sheep?, Neuromancer, I Robot; solo por mencionar algunos ejemplos de los más reconocidos y no con el afán de olvidar a aquellos menos expuestos.

¿El sci-fi no es un género literario serio?

Es el más serio de ellos.

Mario el treintañero

Aún recuerdo acompañar a mis hermanos mientras nos sentábamos por interminables horas frente al televisor jugando obsesivamente el mismo videojuego, una maravilla llamada Super Mario Bros. Y con igual calidez, a nuestro hogar llegaría Mario Bros. 2 (nuestra extraña versión americana) y el que argumentalmente es el mejor videojuego de todos los tiempos, Super Mario Bros. 3; una niñez feliz al lado del plomero italiano que ha hecho de todo menos plomería.

Posteriormente vendría el Supernintendo, que nuevamente adelgazó el bolsillo de nuestros progenitores, pero nos dejó deslumbrarnos con sus nuevas y brillantes gráficas, y no había mejor abanderado para esta nueva maravilla tecnológica que Super Mario Word, el videojuego cuyas mecánicas revolucionarias hicieron que nos diéramos cuenta de que este asunto de los videojuegos era algo mucho más grande de lo que pensábamos.

Los años se fueron en otro parpadeo y en las manos de los chavos cool se encontraba el Nintendo 64, y con este regresó Mario, como un moderno Colon, a mostrarnos que el mundo no era plano, con el primer juego de plataformas tridimensional, Súper Mario 64. Esta vez si estábamos ante el nuevo horizonte.

Repentinamente éramos todos adolescentes y jóvenes adultos, los videojuegos seguían ahí con promesas y nuevas ideas, sin embargo, nuestro interés menguaba y en este frio momento llegó Super Mario Sunshine, para algunos el punto bajo en el legado del gordinflón come hongos, pero para algunos de nosotros una incomprendida obra maestra, que sólo con el pasar de los años ha venido a obtener algo de ese reconocimiento que se le había negado.

Nintendo vio una inesperada caída en sus ventas y muchos dieron por muerto a nuestro viejo amigo nipón con la llegada de los niños nuevos, Play Station y Xbox, consolas radicales con la etiqueta de hacer juegos sólo para adultos, clasificación M, y gráficas ultra realistas; nos habíamos olvidado de la consola que nos acompañó desde niños, y de su infantil mascota.

Pero Mario regresaría haciendo algo impensado, sobre todo en una industria saturada y con décadas de edad, Innovar. Si en algún momento del camino te alejaste de los videojuegos, Super Mario Galaxy es una experiencia moderna y revolucionaria que debes experimentar de primera mano para redescubrir el gusto por los videojuegos.

De esa manera, los veinteañeros y treintañeros de hoy crecimos acompañados por Mario, un icono de nuestra generación al que no se le ven ganas de irse próximamente, con una oleada cada vez mayor de lanzamientos, y si tomamos en cuenta que aquellos pequeñines de ayer son ahora adultos con capacidad económica para darse sus gustos, parece que el futuro del bigotón está más que asegurado…

Club de Cuervos vs El Diez

Club de Cuervos y El Diez. Series de fútbol. La primera, producida por NETFLIX y ALAZRAKIFILMS, y dirigida por el director de la taquillera cinta Nosotros lo Nobles; la segunda, producida por ESPN y Época films. Ambas muestran al televidente diferentes perspectivas de ficción sobre el mundo del balompié, que han cautivado a propios y extraños.

Aunque en gustos se rompen géneros, la diferencia entre ambas es sustancial. Por una parte, Club de Cuervos está más enfocado en la comedia, e incluso parece una adaptación de Nosotros los Nobles al contexto futbolístico; esperemos que en la segunda temporada mejore para bien. Por otro lado, aunque El Diez aborda varios géneros, no deja escapar diversas situaciones que involucran problemáticas actuales en el soccer, como los representantes, la importancia de la prensa y los malos manejos directivos. Cabe señalar que el proyecto era de 4 temporadas, mas no se llevó a cabo la segunda, quizá debido a la compra de la serie por parte de Grupo Televisa, viéndose truncado un gran proyecto.

What We Do in the Shadows

Filmada como un falso documental, What We Do in the Shadows muestra a un equipo de grabación que sigue a cuatro vampiros quienes comparten un hogar en la cuidad de Wellington, mostrando al espectador las tribulaciones de su vida diaria, en lo que sin duda es una de las mejores comedias del año.

Cada vampiro es clásico: el aristócrata Viago, el joven y rebelde (de 183 años) Deacon, Vladislav quien nos recuerda demasiado a cierto Emperador rumano adepto a los empalamientos, y Petyr, quien para términos prácticos es Nosferatu. Sus interacciones, sus relaciones sociales, las dificultades para ajustarse al mundo moderno, y todo tipo de sangrientos enredos son abordados en las genialmente ridículas entrevistas con los vampiros.

En este alocado viaje no se escapa una sola referencia al folklor vampírico, desde el Conde Drácula hasta Crespúsculo, y todo se condensa de manera efectiva e hilarante, sin caer jamás en el humor vulgar; de igual manera, Brujas, Hombres Lobo y Zombies cuentan con apariciones estelares. Es una verdadera lástima que esta fantástica comedia no pueda tener el tipo de escaparate ante el gran público que se merece, ya que está años luz de diferencia de las grotescas e insultantes comedias con que Hollywood atraganta el mercado. Otra cosa admirable es el tiempo de duración, que es tan sólo de 85 minutos, en que no paras de reír, algo que se agradece en una época en la que todas las películas parecen durar más de 120 minutos.

No importa qué tipo de cine te guste, si tienes la oportunidad, no dudes en verla.

Mad Max: Fury Road

Fury Road es una de las mejores películas de acción que se hayan hecho. Es en toda la extensión del término, una obra de autor; George Miller escribe y dirige esta visionaria secuela, que supera a la antigua trilogía de Mad Max y al mismo tiempo la revalora, pues muchos de los que vean Fury Road de inmediato regresarán a ella. Evidentemente, este filme se realizó teniendo como principal objetivo su propia integridad artística, sin comprometerla con cuestiones publicitarias u opiniones de productores entrometidos. Desde este punto de vista nos recuerda mucho a Dredd (2012), otra excelsa película de acción moderna, que lamentablemente no corrió con suerte en taquilla.

La estructura de Fury Road tiene una propuesta arriesgada, la cual es dejar que los hechos mismos narren la historia. Normalmente las películas tienen momentos de acción, que desarrollan la trama, y momentos de exposición, que explican el contexto de la historia (quiénes son los personajes, dónde están, cuál es su motivación, etc.); en Fury Road la acción y la exposición suceden al mismo tiempo, con un diálogo reducido al mínimo, siendo definida por muchos como “una persecución continua”; y esa es su mayor virtud, tener un ritmo imparable.

Visualmente es un deleite, digna de verse una y otra vez para apreciar cada detalle. Las actuaciones son perfectas por parte de Charlize Theron (Furiosa) y Hugh Keays-Byrne (Immortan Joe ¡y anteriormente Toecutter!); asimismo, Tom Hardy interpreta a un Max propio, muy diferente de aquel Mad Max de Mel Gibson, que también tiene un cálido lugar en nuestros corazones. Simplemente no hay nada malo que decir sobre esta película, agreguen una banda sonora genial y el universo postapocalipco más cool, y tienen en sus manos una obra maestra.

Aliens

Después del éxito que tuvo "Alien" en 1979 se antojaba casi imposible realizar una secuela de calidad que pudiera al menos hacer méritos con respecto al clásico de Ridley Scott, sobre todo en una época en que la sobreexplotación de franquicias cinematográficas provocó que las segundas partes de muy mala calidad fueran el pan de cada día. Este fue un fenómeno que se dio más que nada en series de terror, como "Hellraiser" y "Halloween", que teniendo una primera parte de gran éxito y calidad daban paso al lanzamiento de interminables secuelas de cada vez más bajo presupuesto y valores cinematográficos. Sin embargo, apareció la enorme figura de James Cameron para salvar a la saga Alien de sufrir el mismo destino que las antes mencionadas, con una secuela tan poderosa e innovadora, que no solo se equiparaba a la original de Ridley Scott sino que en muchos aspectos la superaba; esta secuela tuvo por nombre "Aliens", un título que simplemente describe a la perfección la esencia de su concepto.

El éxito que representó "The Terminator" permitió que 20th Century Fox le confiara la realización de "Aliens" a James Cameron, con un presupuesto de 18 MDD. Algunas diferencias con el crew inglés y en contratación de actores no impidieron que la cinta de 137 minutos de duración fuera filmada con un guión del mismo Cameron, en el cual los elementos de ciencia ficción permanecen como argumento clave; sin embargo, en un movimiento audaz, esta secuela se aleja del horror presentado en su predecesora a favor de una trama llena de trepidante acción en su más puro estilo, gracias a la infalible presencia de los marines espaciales, quienes tardíamente comenzaban a establecerse como elemento clásico del cine de ciencia ficción, después de que en los años cincuenta Robert Heinlein hiciera lo propio en la literatura con sus obras espaciales, sobre todo "Starship Troopers".

La historia nos transporta nuevamente con Ellen Ripley, quien después de escapar de la tragedia del Nostromo ha flotado por el espacio exterior en estado de híper-sueño durante cincuenta y siete años. Tras ser encontrada por una nave de "Weyland- Yutani", corporación para la cual trabajó durante su misión en LV-426, se le informa que en el planeta en cuestión se ha establecido una colonia, pero recientemente se ha perdido el contacto con ésta. Sospechando que se pueda deber a la presencia de la criatura descrita en el informe de Ripley, la compañía le ofrece reinstalarla en su puesto si acepta acompañar a una expedición militar en calidad de asesora. Aunque en primera instancia se niega rotundamente, pronto descubre que no podrá descansar hasta estar segura de que esta monstruosa raza alienígena ha sido exterminada, por lo que finalmente decide aceptar.

Acompañada por Carter Burke, representante de "Wayland-Yutani", el androide Bishop y un escuadrón de Marines espaciales fuertemente armados, la expedición arriba al planeta para descubrir que la colonia ha sido invadida por los aliens, cuya extrema peligrosidad pronto pone en claro que no estaban preparados para una fuerza tan hostil. Tras encontrar a la única sobreviviente de la colonia, una niña llamada Newt con quien Ripley se encariña porque le recuerda a su propia hija, la expedición queda imposibilitada para retirarse debido a la explosión de su nave de descarga terrestre. Además de esto, descubren que la estación de procesamiento de la colonia ha sido dañada, amenazando con producir una explosión nuclear. Entonces, la lucha por sobrevivir a la fuerza alienígena se convierte en una carrera contra el tiempo, en la que el esfuerzo heroico de Ripley y los marines nuevamente se ve confrontado con los intereses económicos de fuerzas más grandes.

En esta ocasión es Sigourney Weaver quien se roba el espectáculo con una interpretación magistral que incluso la hizo acreedora a una nominación al Oscar, en una época en que este tipo de cintas no eran consideradas más que para categorías técnicas. Y no se quedan atrás un par de actores consentidos en la filmografía de Cameron, Lance Henriksen, mejor conocido por su papel protagónico en la serie "Millenium", y Bill Paxton, quien brinda una actuación genialmente hilarante que le ayudaría a ver despegar su carrera en años posteriores.

Además de la actuación, hay que resaltar el galardonado trabajo de efectos especiales que se llevó a cabo (uno de los aspectos en que Cameron siempre ha sido pionero, tanto en su desarrollo como en su aplicación). A mediados de los ochenta, antes de la época del CGI y cuando el uso del ordenador aún era limitado, el mérito de realizar efectos especiales tan realistas era doble, pues todos estos tenían que hacerse físicamente, y en "Aliens" sólo basta ver la creación del Alien Reina para darse una idea de la dedicación que se le dio a la obra.

El éxito de esta secuela se debe en gran medida a que James Cameron se negó a realizar un copia de "Alien"; lo que era la amenaza oculta y acechante de una sola criatura, se convirtió en una confrontación frontal contra docenas de éstas, dándole un giro de 180 grados al género, para crear lo que hoy es el arquetipo de película de acción futurista. Pero más importante aún resulta ser el guión, estructurado por medio de buenos diálogos que no sólo desarrollan el carácter único de cada uno de los personajes sino que transmiten perfectamente el espíritu de la exploración y colonización espacial. Todo esto, aunado a un sentido del humor genial dio como resultado una obra que es simple y sencillamente perfecta.

Laberinto de Muerte

(1970)
Philip K. Dick

Por Patricia Munguía

¿Cómo sobrevivir a un trabajo rutinario y asfixiante?, Ben Tallchief no tuvo más que escribir una plegaria y enviarla por la red galáctica hacia uno de los mundos deíficos que se encuentran esparcidos en el universo para recibir su cambio a una nueva ubicación, en donde, junto a Seth Morley y otras doce desdichadas y aburridas almas, emprenderán la aventura más irreal y peligrosa de sus vidas. En una sociedad en la cual la existencia de la divinidad es una realidad y no una creencia, nuestros protagonistas se enfrentarán a extraños organismos vivos, habitantes de este desolado lugar llamado Delmak-O, y a acontecimientos que van más allá de lo místico y paranoico para finalmente regresar a su verdadero y único paradero.

De sus más de cuarenta y dos novelas, Laberinto de Muerte (A Maze of Death) se encuentra, sin duda, entre las mejores; siendo uno de los escritores más emblemáticos del género de la ciencia ficción, Philip K. Dick explora nuevamente las relaciones interpersonales en circunstancias adversas y estresantes, llevando a cada personaje al límite de sus capacidades y acentuando lo más humano de su ser, ya sea explotando su racionalidad o su instinto. Y como en todas sus historias, la imaginación desbordante de cada escenario y situaciones te mantendrán al borde de la expectación, pues además, las intrigas y la incertidumbre que aqueja a estos catorce viajeros darán inesperados giros de tuerca, otra estratagema recurrente en la mayoría de sus obras.

Un elemento interesante de esta novela es la invención de toda una cosmogonía en la que se mezclan distintas religiones para dar forma al libro de Specktowsky, el moderno discípulo, que sirve de guía espiritual para todo habitante de esta sociedad futurista en la que el contacto con Dios se vuelve un poco más palpable e involucra a la tecnología para crear una red de comunicación directa con el creador del Universo.

Bartebly, el escribiente

Herman Melville (1853)

Por Karina López Correa

A través de la ventana, en una oficina de Wall Street, un enigmático hombre de aspecto pálido, casi fantasmal, contempla el vacío mientras se rehúsa a cumplir con las labores para las que fue contratado. A pesar de que al inicio Bartleby desempeña impecablemente sus tareas de copista, un día, de pronto, sin razón alguna, prefiere no hacerlo más.

Ante semejante azoro, el abogado que lo contrató decide narrar la increíble historia de Bartleby, pero hay más huecos que historia; la información que se tiene acerca de él es una mezcla de la posibilidad y el vacío de identidad, pareciera que es un hombre sin pasado o con un pasado inenarrable, que se encuentra más allá de la razón y de la ley. No se sabe qué hace mientras no labora, de dónde viene, dónde ha vivido, quiénes son sus padres o si es que tiene familia.

Bartleby es un personaje que no está relacionado con la finalidad y el sentido, es un gozne entre lo que está y no está. Escapa de toda delimitación y así mismo se define por todo lo que no es, por lo que preferiría no hacer. Su principal característica es la negativa, cada que Bartleby “preferiría no hacerlo” o en definitiva se niega a hacer las cosas que el abogado le encomienda abre un espacio de indeterminación donde las posibilidades de resolución ante su comportamiento quedan desestabilizadas por completo.

Bartleby, el escribiente, permite una concepción distinta a la prefija por tratarse de un personaje que rompe con los estatutos de la coherencia y la lógica, que dentro de su imposibilidad para ser clasificado revela características que lo clasifican dentro de la vida, que todo el tiempo deambula entre el ser y el no ser, entre el hacer y no hacer, sin situarse definitivamente en una de las dos opciones, que no es una figura activa ni pasiva, pues se asemeja más a un punto no necesariamente medio, sólo un punto en algún lugar del extenso campo de la posibilidad.

Después del Terremoto

En esta ocasión, Murakami nos presenta un conjunto de seis historias que se desarrollan a poca distancia del devastador acontecimiento que conmocionó a todo Japón en enero de 1995, el gran terremoto de Hanshin (Kobe); sin embargo, ninguna de ellas se centra en la tragedia, sino que describen la vida cotidiana de los ciudadanos, a veces en escenas surrealistas y otras veces impregnadas de melancolía.

Cada relato ofrece una singular anécdota en la cual poco o mucho tiene que ver el terremoto, no obstante es una constante en cada uno de ellos, ya sea como hilo conductor o simplemente como personaje secundario, y las repercusiones que este suceso genera en cada personaje son de diversa índole.

En el primer cuento nos encontramos con un hombre a quien su esposa ha abandonado después de pasar cinco días y cinco noches frente al televisor observando la estela de horrores del terremoto; confundido y apesadumbrado comienza la búsqueda de su verdadera esencia. La segunda historia se lleva a cabo entre un anciano y una joven que descubren profundas afinidades entre sí al calor de una hoguera. El siguiente relato rebosa en melancolía al mostrar a una mujer atesorando un amargo pasado. A continuación Murakami esboza una peculiar persecución donde el destino final es a la vez el comienzo de una nueva vida. El quinto relato es acerca de una rana gigante y locuaz convenciendo a un servidor público para que la auxilie a salvar a Tokio de una catástrofe. Finalmente, la sexta narración nos transporta por los recuerdos de un escritor que bajo la forma de una fábula va dando solución a su propia vida y reflexionando acerca de sus experiencias. En definitiva, toda la obra es una compilación de sentimientos y experiencias de vida aderezados con el nostálgico ambiente que impera en la pluma de este prolijo escritor japonés.

El Señor de las Moscas

Lord of The Flies (1954)
William Golding

Por Javier Leyva

William Golding hace un fascinante análisis de la naturaleza humana en esta novela, en la cual un puñado de niños británicos, de entre cinco y trece años, quedan varados en una isla tropical. Al no haber ningún adulto, los niños mayores intentan establecer una organización que les permita sobrevivir y ser rescatados. Golding teje magistralmente el desarrollo y subsecuente deterioro de dicha sociedad.

La historia gira en torno a dos muchachos mayores que se disputan el liderazgo del grupo: Ralph, un líder natural y ecuánime, y Jack, quien se basa en la ley del más fuerte. Ambos cuentan con virtudes y defectos que sólo se hacen más evidentes en la medida en que aumenta su rivalidad. De entre los jóvenes habitantes de la isla, solamente Piggy parece tener un criterio sabio para el bienestar de la mayoría, sin embargo, al ser un muchacho obeso y débil, su opinión es siempre desestimada.

El Señor de las Moscas nació como una contestación a ciertas novelas juveniles de la época que tenían la tendencia de ensalzar las virtudes innatas del hombre, aún en las situaciones más adversas. Golding no creé en esta visión fantasiosa, por lo que en El Señor de las Moscas no hay lugar para ingenuos optimistas y existe una sensación de fatalidad perenne. Se aluden con realismo importantes temas sociales como la psicología de masas, la adoración reverencial a símbolos y el temor irracional a lo desconocido y, asimismo, se analiza profundamente cada decisión y razonamiento de los niños, algunos de los cuales parecen estar permanentemente atados a las reglas sociales, y otros quienes están más que dispuestos a alejarse de ellas.

Se han dado diversas interpretaciones a El Señor de las Moscas, pero lo que es indudable es que se trata de un clásico de lectura obligada para los jóvenes en formación colegial.

Editorial - Vorágine [Narrativa] No. 6

Los avances en la ciencia y la tecnología se hacen presentes en la literatura a partir de la elaboración de complicadas hipótesis que reflexionan acerca del impacto de estas dos herramientas de la humanidad en nuestro entorno y con ello se crean mundos alternos o futuros en donde la tecnociencia juega un rol crucial en el desarrollo de la sociedad y su cultura. Viajes en el tiempo y el espacio son posibles, soluciones impensables encuentran forma en mundos perdidos, la evolución de las especies y el contacto con alienigenas aparecen como elementos de lo cotidiano; en el universo se la Ciencia Ficción todo es posible si tiene una explicación científica plausible.